Das Portrait war für Heidy Stangenberg-Merck kein zentrales Thema, sie setzte sich aber immer wieder damit auseinander. Dabei spielte die physiognomisch naturgetreue Wiedergabe der Personen keine übergeordnete Rolle, sondern sie blieb ihrem abstrahierenden Stil treu, der Farbe der Form vorzieht.

Heidy Stangenberg-Merck malte im Jahr 1977 das Doppelportrait „Zwei Generationen“. Das Ölbild zeigt zwei Frauen, die in einem Innenraum sitzen. Im Vordergrund ist eine jüngere Frau abgebildet, gekleidet in einem cremefarbenen Pullover und mit offenen Haaren, aus dem Bildrand nach links in die Ferne schaut. Ihr Portrait ist als Bruststück angelegt, d.h. der Großteil des Oberkörpers ist mit teilweise wiedergegebenen Armen dargestellt. Außerdem zeigt die Malerin sie im Dreiviertelprofil: Ihr Gesicht ist dem Betrachter leicht seitlich zugewandt. Links hinter ihr sitzt eine ältere Frau, die als Ganzfigur dargestellt ist, also in ihrer Gesamtheit zu sehen ist. Sie trägt ein schwarzes Kopftuch, eine schwarze Jacke, ein braunes Hemd und eine hellblaue Schürze über einem dunklen Rock und betreibt mit gebeugten Schultern Handarbeiten. Auch sie ist im Dreiviertelprofil angelegt, blickt aber nicht wie die Frau im Vordergrund geradeaus, sondern schräg auf den Boden.

Heidy Stangenberg-Merck bildet Mutter und Tochter ab, die unterschiedlichen Zeiten verhaftet sind: Während die Mutter in traditionell dunklerer Kleidung abgebildet ist, die sie als Witwe auszeichnet und zurückgezogen nur im Hintergrund erscheint, ist die junge Frau im Vordergrund modern gekleidet und wirkt durch ihren Blick in die Ferne und ihre aufrechte Haltung selbstbewusst. Auch in kompositorischer und malerischer Hinsicht liegt die Betonung im gezeigten Doppelportrait auf der jungen Frau, die eine halbe Bildbreite und Dreiviertel der Bildhöhe einnimmt und viel heller beleuchtet wird.
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Heidy Stangenberg-Merck, die noch das traditionelle, ursprüngliche Land kennen- und lieben gelernt hat, thematisiert hier viel weniger die Darstellung der beiden realen Personen in ihrem Umfeld als Vergangenheit und Zukunft, Tradition und Moderne, das alte Griechenland, das immer mehr verschwindet und das neue, das es zu entdecken gibt.

Yvonne Weber-Sturm

HSTM, Zwei Generationen, Öl, 1977

HSTM, Alte Kreterin, Öl, 1968

Warum, so wurde ich
gefragt tät ich Gedichte
schreiben.
Darum, so habe ich
gesagt weil sie nicht in
mir bleiben.
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(Auszug aus „Problem Verstehn“, 2007)


Neben der Musik und der bildenden Kunst widmet sich Karl Stangenberg in seinem Schaffen vor allem der Lyrik. Das Dichterhandwerk ist die Kunst den Lesenden zu einem Gedanken anzuregen, der in seiner Kurzweil berührt. Eben dieses Phänomen lässt sich in der Lyrik Karl Stangenbergs erfahren. In mittlerweile 14 Gedichtbänden verpackt Stangenberg Alltägliches, Sinnhaftes und Gedankenspiele in kurzen und prägnanten Gedichten.
Die Gedichtsammlung „Problem Verstehn“ umfasst 72 Gedichte, die sich mit den verschiedensten Gedanken auseinandersetzen: Sei es die deutsche Zeichensetzung, der antike Philosoph Sokrates oder das allbekannte Weihnachtslied „O Tannenbaum“.
Mit viel Witz hinterfragt der Dichter kritisch, zusammengefügt in Vers und Reim, Begebenheiten, die für den Lesenden bekannt und normal sind. Karl Stangenberg setzt seinen LeserInnen mit seinen Gedichten eine Brille auf, durch die sie die Welt aus seiner durchdachten und hinterfragenden Perspektive sehen können und verleitet dadurch zum Nachdenken, Schmunzeln und Lachen.

Er weiß
dass er nichts weiß
so hört ich einen
sagen.
Woher er weiß
dass er nichts weiß
erlaubt ich mir
zu fragen.

(Auszug aus „Wörtlich Genommen“, 2009)
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​„Wörtlich genommen – Gedichte über Gestern Heute und Morgen“ spricht für sich. Gedankenspiele über Gestern, Heute und Morgen sind in diesem Band zu finden und empfiehlt sich allen, die einen Augenblick festhalten, befragen und verstehen möchten.

„Problem Verstehn – Gedichte über Reimen und Meinen, Sagen und Fragen“ vereint den Ernst der Sache mit seinem typischen Witz. „Probleme“ der Welt und des Einzelnen werden in Wort und Witz vorgestellt und gelöst – die Antwort auf alle Fragen, die dazu führt noch mehr fragen zu wollen.
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„Ambiente Instrumente – Musikalische Ungereimtheiheiten gereimt von Karl Stangenberg“ verspricht bereits im Titel wieder ein Meisterwerk aus Humor und Lyrik. Als Musiker nimmt er in diesem Band Instrumente und deren Spieler ins Visier – ein Band für alle Musiker, die gerne lachen. 

Diese und alle weiteren Bücher von Karl Stangenberg erhalten Sie in unserem Museumsshop.
Der Katalog zur Lyrik von Karl Stangenberg ist online einsehbar unter:
www.orlandus-verlag.info/karl-stangenberg/lyrik-von-karl-stangenberg.
Gerne senden wir Ihnen die Bücher auch auf Rechnung zu, dazu schreiben Sie uns bitte eine Mail an mail@museum-jugenheim.de und sie erhalten das Buch per Post, zzgl. Versandkosten. 

​Viktoria Hellriegel

Heidy Stangenberg-Merck besaß nie wie viele andere Künstler ein Atelier abseits ihrer Wohnung - Leben und Arbeiten fand immer in denselben Räumlichkeiten statt. Ihre erste Adresse in München lag in der Isarvorstadt, in der sie und später auch gemeinsam mit ihrem Mann, Musiker Karl Stangenberg lebte und wirkte. Beide Künstler malten, musizierten und unterrichteten in der Klenzestraße 33/Ecke Gärtnerplatz. Später wechselten sie noch zwei Mal die Adresse innerhalb Münchens. 
Der Gärtnerplatz ist zentral gelegen und bildet ein Rondell, von dem sechs Straße abgehen. Eine davon ist die Klenzestraße, in der Heidy Stangenberg-Merck und Karl Stangenberg wohnten; Im Eckhaus Nr. 33 entstand eine Vielzahl ihres Werks der ersten Jahre.
Benannt nach dem Architekten Friedrich von Gärtner, der u.a. Universität, Siegessäule und Ludwigskirche erbaute, wird der Platz durch den spätklassizistischen Bau des Gärtnerplatztheaters bestimmt. Das Bayrische Staatstheater am Gärtnerplatz widmet sich vor allem der „leichten Muse“ und gilt als Münchens Volksoper.
Damals wie heute war der zentral gelegene Gärtnerplatz Teil des Münchner Szeneviertels und lud mit Bars, Restaurants und Cafés zum Schlendern, Verweilen und Beobachten ein. Aber auch ohne einzukehren konnte der Flaneur auf den baumbeschatteten Bänken, inmitten von Blumenrabatten und mit Blick auf den Brunnen, eine Pause einlegen. Und auch ein Künstler auf der Jagd nach Motiven kam nicht zu kurz: Selbstverständlich hielt Heidy Stangenberg-Merck auch die Umgebung ihres Wohnateliers fest. In unterschiedlichen Techniken malte, zeichnete und druckte Heidy Stangenberg-Merck ihr „Motiv vor der Haustür“.

Yvonne Weber-Sturm

HSTM, Winter am Gärtnerplatz, Öl auf Leinwand, 1956

v.l.n.r.: Blick aus dem Atelier auf den Gärtnerplatz, 1955; HSTM, Hinterhof am Gärtnerplatz, Radierung, o.J.

HSTM, Gärtnerplatz, Linolschnitt, 1959

v.l.n.r.: HSTM, Gärtnerplatz, Monotypie, 1956; ​HSTM, Gärtnerplatz, Tusche, 1954

HSTM, Stillleben am Fenster, Öl auf Leinwand, 1954 (Der Blick hinaus auf die Klenzestraße)

Im obersten Geschoss des Museums werden seit der letzten Museumserweiterung im Januar 2020 die Kunstwerke von Marietta Merck, der Mutter von Heidy Stangenberg-Merck, umfassend präsentiert.
Nicht nur die schwerpunktmäßige Bildnismalerei wird dort gezeigt, sondern auch einige Skulpturen und Plastiken. Diese verweisen auf Marietta Mercks künstlerischen Einstieg von 1916, der bildhauerische Ausbildung in Jugenheim bei Daniel Greiner und auf ihre Fortsetzung der Bildhauerausbildung (1918-1921) in München bei Jenny von Bary und bei Eduard Beyrer.                                                                                                                                                
Der Künstler Daniel Greiner war mit Skulpturen an der Mathildenhöhe in Darmstadt beteiligt und besaß in Jugenheim eine große Steinmetzwerkstatt mit 30 Angestellten. Die Münchner Kunstkollegen Eduard Beyrer und Jenny von Bary waren auch bekannte Bildhauer, deren Kunstwerke heute noch die Pinakothek in München zieren.
Eine Skulptur, die Marietta Merck geschaffen hat, zeigt einen weiblichen Frauenkopf, undatiert, der aus Sandstein behauen wurde. Diese Skulptur wurde substraktiv, also wegnehmend hergestellt - im Unterschied zu einer Tonplastik, die additiv und modellierend aus dem Nichts erschaffen wird. Das heißt, der Künstler muss sich beim subtraktiven Behauen eines Gesteinsblocks genau überlegen: „Was muss ich wegmeißeln, damit eine Nase entsteht, damit Wangen vorhanden sind usw., und das Ganze bitte noch in einer geordneten Gesichtsproportionierung.“ Die aus einem vorgegebenen Block entfernte Masse kann nicht wieder angefügt werden, also salopp formuliert gilt für das Behauen des Gesteinsblocks:  „Was weg ist, ist weg!“ Korrekturen sind also bei skulpturalen Arbeiten nicht möglich und erfordern höchste Konzentration beim Arbeiten.
Marietta Merck bildete beim Behauen des Sandsteins ihre eigene Mutter Julia Merck, ab. Ihre aus dem Stein gemeißelte Gesichts-Physiognomie ist erkennbar als ältere Frau. Teile ihres Hinterkopfes tauchen jedoch in einem fast unbehauenen Gesteinsteil ein, nur grobe Werkspuren des Meißels, die Bosse, sind auf diesem Gesteinsteil zu sehen. Dieses künstlerische Gestaltungsprinzip des Unvollendeten nennt sich non- finito. Die fertigen Teile des Kopfes, der Gesichts-Physiognomie, sollen durch dieses absichtsvolle Non-finito des Hinterkopfes umso kunstvoller erscheinen. 
Das sogenannte Non-finito-Prinzip hat schon Michelangelo angewandt bei seinen Sklavenskulpturen von 1513-16. Nur waren sich die Kunsthistoriker darüber uneinig, ob er diese Unvollendung wirklich als Stilprinzip beabsichtigt hat oder es nicht eher einem zu vollen Auftragsbuch geschuldet war.
Erst mit dem Werk des Bildhauers Rodin um 1900 wurde das Non-finito zu einer autonomen , bewusst gewollten, selbständigen Kunstform. Wunderschön ist sein Beispiel von „La pensèe“ (Der Gedanke) von 1886: ein vollständig durchgearbeiteter weiblicher Kopf, der aus einem unbehauenen Marmorblock herauszuwachsen scheint und sich leicht wie ein Gedanke herauskristallisiert.
Marietta Merck hat sich also nur ein paar Jahrzehnte nach Rodin mit diesem Non-finito beschäftigt und ihre Mutter Julia auf diese Weise verewigt.
Bei diesem  räumlichen Kunstwerk ist zusätzlich noch ein Anteil des Tastsinns zu beobachten. Die Oberflächenstruktur des bearbeiteten Sandsteins ist teilweise eher stumpf, teilweise aber auch sehr rau und grob und damit variabel.
Die Oberflächenstruktur der benachbarten Bronzeplastik, Marietta Mercks „Flüchtlingsfrau“, ist eher glatter, etwas weicher anzufassen.
Insgesamt sind fünf dreidimensionale Arbeiten von Marietta Merck im obersten Geschoss des Museums Stangenberg Merck zu sehen. Gipsplastiken und Kunstzementarbeiten runden das haptische Spektrum ab.
Eine Plastik kann auch im Dunkeln existieren im Unterschied zu einem Bild, und so ist es weniger erstaunlich, dass große Museen mit aufwendigen Skulpturensammlungen auch Führungen für Blinde und sehbehinderte Menschen anbieten, da diese Kunst fühlbar und auch greifbar ist.
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Ute Lieser

„Reisen nach Italien“: Unter diesem Titel zeigte das Museum Stangenberg Merck in der ersten Sonderausstellung nach dem Tod der Malerin Heidy Stangenberg-Merck bislang unveröffentlichte Bilder ihrer frühen Italienreisen. Von der Tuscheskizze eines norditalienischen Straßenzuges, über für die Künstlerin ungewohnt farbintensive Temperabilder Venedigs, bis hin zur mit schnellem Strich eingefangenen Ansicht eines sizilianischen Dorfes, Heidy Stangenberg-Merck war fast überall in Italien – und ihre Skizzenbücher waren immer dabei. Die hier gezeigten Bilder stammen aus der Sonderschau des Museums aus dem Jahr 2015.
Ihre Aufenthalte in Italien waren nicht unbedingt (nur) der deutschen Italiensehnsucht geschuldet; als Kunststudentin beteiligte sich Heidy Stangenberg-Merck an zahlreichen Exkursionen der Münchner Akademie. Gerade wenn der Künstler zu Beginn seines Studiums das „Handwerkszeug“ erlernt, ist es unabdingbar, vor Ort Studien und Skizzen anzufertigen. Mit den gesammelten Entwürfen wird der Fundus des Künstlers gefüttert, aus dem er im Atelier seine Werke planen und umsetzen kann. Und wo wäre dies besser möglich als in Venedig, Florenz oder Rom? Stangenberg-Merck unternahm auch Reisen nach Frankreich, Belgien und in die Niederlande, aber keine Destination hinterließ einen ähnlich großen Fußabdruck in ihrem Werk wie Italien. 

Yvonne Weber-Sturm

Heidy Stangenberg-Merck in Malcesine/Gardasee, 1955

HSTM, Bergamo, Tusche 1954

HSTM, San Gimigniano 2, Tusche, 1954; HSTM, San Gimgniano 3, Tusche, 1954

HSTM, Toscana, Tusche, 1949; HSTM, Toscana, Öl auf Hartfaserplatte, 1951

v.l.n.r.: HSTM, Foro Romano 1, Roma 2, Roma, Tusche, 1951

HSTM Procida, Tempera, 1960

HSTM, Sizilien, Tusche, 1953

In Heidy Stangenberg-Mercks Werk findet sich eine Vielzahl von Zeichnungen und Malereien, die in Ostfriesland, genauer gesagt in Varel-Dangast am Jadebusen entstanden sind. Die Malerin hat das Nordseebad einige Male besucht und immer wieder ihre Eindrücke auf Papier und Leinwand gebannt. Die Liebe zu Meer, Strand, der weiten Landschaft und zur Schifffahrt kennen wir bereits von ihren griechischen Impressionen, aber auch norddeutsche Landschaften hatten für die Malerin ihren Reiz.
Ein frühes Temperabild von 1948, mit schnellem Pinselstrich und lasierendem Farbauftrag gefertigt, zeigt die Geestlandschaft mit abgestellten Reusen. Spätere Bleistift-Zeichnungen zeigen Hafenszenen mit Fischern, die nach getaner Arbeit auf See das Schiff versorgen, Stilleben mit dem frischen Fang des Tages und Landschaften, die typisch für das „Land hinterm Deich“ sind.
Woran kein Besucher in Dangast vorbeikommt: Direkt am Watt liegt das Kurhaus, dessen Freisitz Heidy Stangenberg-Merck in einem Bild von 1950 verewigt hat. Im und rund um das Kurhaus haben sich bekannte und weniger bekannte zeitgenössische Künstler wie Anatol Herzfeld, Wilfried Gerdes und Eckart Grenzer mit allerlei Artefakten verewigt. Und überhaupt ist Dangast ab dem beginnenden 20. Jahrhundert gerne Ziel für Künstler gewesen: Der expressionistische Maler Karl Schmidt-Rottluff legte Arbeitsaufenthalte in Dangast ein und auch seine Kollegen Erich Heckel, Max Pechstein und Emma Ritter nahmen in dem malerischen Ort Quartier. Die Malerin Trude Rosner-Kasowski lebte von 1946 bis zu ihrem Tode 1970 in Dangast.
In der Sielstraße wohnte bis zu seinem Tod im Jahr 1983 der Maler Franz Radziwill, mit dem Heidy Stangenberg-Merck und Karl Stangenberg bekannt waren. Bei einem Besuch in Dangast 1965 entstanden viele Skizzen und unter anderem zwei Temperabilder, die Atelier und Wohnturm Radziwills und eine Innenansicht der alten Küche mit ihren alten friesischen Kacheln zeigen. Heute ist im vorderen Haus ein Museum zu Ehren Franz Radziwills eingerichtet, das auf jeden Fall einen Besuch lohnt. 

Yvonne Weber-Sturm

HSTM, Hafen von Dangast, Öl auf Hartfaserplatte, 1964

v.l.n.r.: HSTM, Am Deich Dangast, Tusche, 1965; HSTM, Dangast, Bleistift, 1965; HSTM, In Dangast, Bleistift, 1965

HSTM, Kühe in Dangast, Tempera, 1950

HSTM, Pferde in Dangast, Tempera, 1961

HSTM, Dangast, Tusche, 1963

HSTM, Reusen in Dangast, Tempera, 1948

HSTM, Dangast Kurhaus, Tempera, 1950

v.l.n.r.: HSTM, Bei Franz Radziwill, Tempera, 1965; ​HSTM, Die Küche von Franz Radziwill, Tempera, 1965

Von 1961 bis 1967 wohnte die deutsche Schriftstellerin Annette Kolb im gleichen Haus in der Händelstr. 1 in München-Bogenhausen wie Marietta und ihre Schwester Gretel Merck.
In dieser Zeit fertigte Marietta Merck von der Schriftstellerin eines ihrer feinen Bleistift-Portraits an.
 
Auszüge aus einem Interview, welches 1980 von einer Gruppe Schülern eines Gymnasiums aus Butzbach (Hessen) mit Marietta Merck geführt wurde:
Mit Frau Annette Kolb wohnte ich lange Zeit im gleichen Haus. Wir sind uns also nicht fremd gewesen und haben gelegentlich gerne ein paar Worte miteinander gesprochen.
Trotzdem hinderte mich ihr hohes Ansehen, ihre „Berühmtheit“ daran, sie unbefangen zu bitten, sich für eine Portraitierung zur Verfügung zu stellen. Einmal habe ich dann Mut gefasst, und Annette Kolb sagte bereitwillig zu, mich zu besuchen.
Der Tag kam und ihr Besuch wurde Wirklichkeit.
Während unserer Arbeit hörte sie auf die Musik einer Schallplatte, die ich für uns aufgelegt hatte.
Aber so zügig ich auch arbeitete, „Fräulein Kolb“ - so wollte sie immer angeredet werden - wurde müde und es bereitete mir Mühe, sie wieder gerade auf den Stuhl zu setzen. Sie war über neunzig Jahre alt!
Für das fertige Portrait dankte Annette Kolb mir mit ihrem Buch „Mozart“; sie hatte eigens eine Widmung hineingeschrieben.
 
Annette Kolb (mit bürgerlichem Namen Anna Mathilde Kolb, *3. Februar 1870 in München; †3. Dezember 1967 in München) war eine deutsche Schriftstellerin. Sie setzte sich nachhaltig für den Frieden ein und erwarb sich Verdienste um die deutsch-französische Verständigung. In Romanen beschäftigte sie sich kapriziös-anmutig mit dem High-Society-Leben. 

​Daniela Walther

v.l.n.r.: ​Marietta Merck, Fräulein Annette Kolb, Bleistift, 1960; ​Annette Kolb 1960 (Foto: Imago/Michael Neumeister)

Marietta Merck, 1961 zeichnend bei einer Italienreise, umringt von Kindern

Von September 2018 bis Juni 2019 zeigte das Museum Stangenberg Merck die Ausstellung „Ekkehard Wiegand. Bildhauer, Maler, Grafiker“. In der umfassenden Sonderschau präsentierte sich der vielseitige Künstler aus dem Chiemgau mit Werken mehrerer Gattungen: Wiegand ist nicht nur in seinem studierten Metier, der Bildhauerei, zuhause, sondern beherrscht die unterschiedlichsten Techniken meisterhaft und in handwerklicher Perfektion. In der Ausstellung – genauso wie in seiner dauernden Ausstellung im eigenen Atelier- und Ausstellungshaus in Gengham bei Palling - trafen Gemälde und Radierungen auf Skulpturen und ergänzten sich gegenseitig, befruchteten sich in ihrer Zwei- bzw. Dreidimensionalität. Ausdrucksstark und schlicht, aber mit der nötigen Finesse und einer guten Prise Witz ausgestattet, schweben seine Arbeiten zwischen Figürlichem und Abstraktem.

In Bad Reichenhall geboren, studierte Ekkehard Wiegand an der Kunstakademie in Linz und besuchte die Meisterklasse für Bildhauerei bei Prof. Walter Ritter. Er bestritt über 60 Einzelausstellungen und ungezählte Beteiligungen, war vertreten auf den Kunstmessen Düsseldorf 1976, Art Cologne, Köln 1987–'89, Art Basel  1987–'89, Düsseldorf und zahlreichen kleineren Kunstmessen und erhielt den Kulturpreis Ostbayern im Jahr 1999, in 2016 den Preis der Rainer Funke Stiftung Köln.

Wiegands Thema ist der Mensch in seiner Vielschichtigkeit. Verborgenes bringt er teils auf humorvolle Weise zum Ausdruck und animiert den Betrachter zum Schmunzeln ob der oft hintergründigen Botschaft. Reduziert auf das Wesentliche, bilden die Arbeiten Wiegands eine bestechende Kombination teils stark abstrahierter, teils realistisch geprägter Werke unverwechselbarer Einzigartigkeit. Seine ästhetischen Plastiken, Skulpturen, grafischen Blätter und Gemälde zeichnen ihn als stilsicheren Künstler mit technischer Finesse aus.
Ekkehard Wiegand arbeitet mit sämtlichen Materialien, als Bildhauer vor allem mit Holz, Bronze und Stein, als Grafiker druckt er Holz-und Linolschnitte, Radierungen in allen möglichen Varianten bis zu Mischungen aus Hoch-, Tief- und Prägedruck. Als Maler bevorzugt er Ölfarben, arbeitet aber auch mit Kunstharzlacken.

Seine verschiedenen Aktivitäten, seine umfangreichen Ausstellungstätigkeiten und seinen spannenden Werdegang als bildender Künstler hat Ekkehard Wiegand in einem umfangreichen Buch mit über 500 Abbildungen dokumentiert. Das Buch „Ekkehard Wiegand. Bildhauer. Maler. Grafiker“ ist im Shop des Museums oder beim Künstler direkt für 45,- erhältlich.
Weitere Informationen erhalten Sie auf der Homepage des Künstlers www.ekkehard-wiegand.de.

Yvonne Weber-Sturm

Alles nicht wahr, Öl auf Leinwand, 2002

​Karl Stangenberg bereiste in den 50iger-Jahren mit seiner Frau Heidy Stangenberg-Merck zweimal die Insel Ischia. Als Flötist doch eigentlich ganz der tonalen Kunst verschrieben, schuf Karl Stangenberg auf Ischia Zeichnungen und Tempera-Malereien, die der Museumsbesucher heute in einem eigens gestalteten Raum antrifft. Auf der Insel im Golf von Neapel entstanden Landschaften und Stillleben, die sich in geometrischen Formen und Flächen auflösen und in ihrer Farbigkeit luftig, leicht und freundlich wirken. Die Temperas deuten auf ein grundlegendes Interesse am Konstruktivismus und Kubismus hin, aber die große Inspiration, in dieser Art zu malen, war eine andere: die Begegnung mit dem damals schon bekannten Maler Werner Gilles.
Werner Gilles (1894-1961) studierte nach dem Ersten Weltkrieg Kunst an der Akademie in Weimar, bis er im Jahr 1921 an das neu gegründete Bauhaus wechselte und in die Klasse von Lyonel Feininger aufgenommen wurde. Im selben Jahr reiste er das erste Mal nach Italien, das ihn immer wieder anzog. Ab dem Jahr 1951 lebte Gilles winters in München und im Sommer auf Ischia, wo er sein zentrales Bildthema fand: die Ur-Landschaft zwischen mythologischen und inneren Welten. Er schuf Ölbilder und Aquarelle plein-air, also mitten in der Natur, und reduzierte seinen Eindruck auf das Elementare. Landschaften werden geometrisch aufgebrochen und stilisiert, in Muster und Zonen angelegt, die farblich hart voneinander abgegrenzt werden.
Werner Gilles und seine neue Art zu malen müssen großen Eindruck auf das Künstlerehepaar Stangenberg-Merck gemacht haben. Auf Ischia malte auch Heidy Stangenberg-Merck einige Bilder, die unverkennbar den Einfluss Gilles´ aufzeigen. 

​Yvonne Weber-Sturm

Karl Stangenberg auf Ischia, 1955; Foto: privat

1957 auf Ischia: Karl Stangenberg präsentiert seine neusten Bilder und die seiner Frau - als Scherz titulierten sie die Wand ihrer Unterkunft „studio per pittura“; Foto: privat

KST, Straße (St. Angelo d´Ischia), Tempera, 1957

KST, Felsenhaus mit blauer Tür (Ischia), Tempera, 1960

Im 2. Obergeschoß des Museums hängen mehrere Aktstudien von Heidy Stangenberg -Merck, die sehr beachtenswert sind. Zeitlich sind dabei 2 farbige Aktstudien von 1948 der Phase ihres Münchener Akademiestudiums von 1943- 1950 zuzuordnen.
Beide  Aktfiguren, eine direkte  Rückenansicht und eine dreiviertel Rückenansicht,  sind in ihren anmutigen Haltungen weich modelliert mit abgestuften  Ölfarben, bieten Lichtreflexe durch feine Schattierungen  und eine überzeugende Anatomie mit einer schönen Weiblichkeit.  

Ein klassisches Kunststudium, wie es Heidy Stangenberg- Merck absolvierte,  beinhaltet das Malen, Zeichnen, plastische Gestalten des nackten Körpers.  Dieses Thema beschäftigte schon die Künstler im antiken Griechenland und hat sich seit jeher kaum geändert. Und so wundert es nicht, dass die Aktstudie mit der reinen Rückenansicht in einem klassischen Kontrapost steht. Das Gewicht ruht dabei auf dem geraden Standbein, das Spielbein ist locker angewinkelt. Dadurch ist das Becken auch leicht verschoben. Diese Modellpose war schon in der Antike bei plastischen Figuren sehr beliebt.
In dem Studiengang Aktzeichnen/Aktmalerei eines Kunststudiums werden dem Studenten Berufsmodelle präsentiert, die sich in unterschiedlichen Haltungen und natürlich unbekleidet zeigen. Für eine reine Aktzeichnung z.B. hat man ungefähr eine Stunde Zeit, dann wechselt das Modell die Haltung.
Es ist auch für ein Berufsmodell nicht einfach, nur eine einzige Körperhaltung eine Stunde lang zu bewahren. Aber ungleich schwieriger wird es für den Studenten in diesem Zeitraum die Anatomie überzeugend wiederzugeben. Diesen menschlichen Körper nur schon mit einer Bleistiftzeichnung zu erfassen, erfordert ein hohes konzentriertes Augenmaß und auch den Erwerb der Fähigkeit des Schätzens in der Beziehung von Strecken im Aufbau des Körpers.   
Nicht jedes Aktmodell hat dabei sogenannte „Idealmaße“, aber wenn man sich in vernünftigen Grenzen an einige Werte hält, können Aktstudien doch überzeugend wirken.

Eine klassische Aktdarstellung hängt u.a. auch mit der Einhaltung der Proportionen zusammen.
Es gibt dabei ein bewährtes System, bei dem in Kopfhöhen gemessen wird. Man geht davon aus, dass die Körpergröße eines Menschen ungefähr acht Kopfhöhen beträgt.  
Dementsprechend messen die Schulter- und Hüftausdehnung bei einer Frauendarstellung zwei Kopfhöhen in der Breite. Daraus resultiert, dass Schulter- und Hüftbreite sich auf einer senkrecht gezogenen Linie befinden.
Die Ellenbogen sind etwa drei Kopfhöhen vom Scheitel entfernt und liegen auch optisch auf gleicher Höhe mit der Taille.
Natürlich gehört noch viel mehr Kunstfähigkeit außer der Proportionsbeherrschung zu einer klassischen  Aktstudie dazu, wie z.B. auch die gesetzesmäßige Verhaltenstheorie des Körpers in Ruhe und Bewegung, das Ergründen der Konstruktion des Körpers,  die Struktur im aufbauendem Zeichnen und die psychisch bedingten Ausdrucksformen so  mancher Modellpose.

Wenn das Interesse unserer Besucher des virtuellen Museums geweckt wird im Zusammenhang mit einer eigenen Herstellung einer Aktzeichnung, so können Sie sich an die nächste Kunstschule wenden.
In unserer unmittelbaren Nachbarschaft bietet sich Darmstadt mit seiner Technischen Universität an. Am Fachbereich Architektur ist eine Gastteilnahme im Aktzeichnen möglich. Für einen geringen Betrag kann man sich neben den Studenten in einer schönen, altersgemischten Runde unter einer hervorragenden Kursleitung im Aktzeichnen an einem Berufsmodell ausprobieren. Vielleicht schätzen Sie danach umso mehr die Aktstudien von Heidy Stangenberg- Merck, die nicht nur von der Anatomie, sondern auch von der Farbgebung her überzeugen.

(Ute Lieser)

AKTZEICHNUNGEN
War ihr künstlerisches Vorbild auf breiter Basis ihr stets verehrter Lehrer Prof. Hans Gött, so zog es Heidy Stangenberg-Merck noch als Künstlerin in den Reifejahren mit Ausdauer und Hingabe in den an der Akademie unter Anleitung durch den Bildhauer Emil Krieger stattfindenden „Abendakt“.  Ohne diesen Anteil an ihrer Ausbildung wäre das ihr vorschwebende Berufsbild eines auf die Gegenständlichkeit gerichteten Bildenden Künstlers wohl nie erreichbar gewesen.
In den Jahren 1950-1970 unterrichtete Heidy Stangenberg-Merck in eigener Initiative Auszubildende des Graphischen Gewerbes. Aus dieser Zeit stammt die wie aus einem Guß entstandene, den Studierenden als Beispiel nahegebrachte Serie von Aktzeichnungen.
(Karl Stangenberg)
Kunstdrucke dieser Aktzeichnungen sind im Artificium erhältlich. Es gibt zwei unterschiedliche,  auf 50 Exemplare limitierte Editionen.